El Espacio Fundación Telefónica nos invita a la presentación del XI Premio Fundación Telefónica a la investigación en historia de las artes plásticas en la Argentina.
Año 2007: “El Rol Del Crítico de arte en la Argentina del siglo XX”.
Entrega de premios XI Edición y presentación del libro Máscaras y Laberintos de un mercado de provincia. El caso del mercado de arte en Mendoza de los ´60. de Graciela Distéfano. Ganadora del X Premio Fundación Telefónica. Año 2006: Artes plásticas y mercado en la Argentina de los siglos XIX y XX.
El martes 11 de Diciembre a las 18.30 hs. en Arenales 1540, Buenos Aires, Argentina.
Organizado conjuntamente por Fundación Espigas y Fundación Telefónica
posted by Angie Röytgolz
martes, diciembre 11, 2007
domingo, noviembre 18, 2007
¡NEW YORK TIENE PINTA!
Abre Pinta en New York City, la primera feria de arte de América Latina.
"Maldoror", de César Paternosto, reflejado a través de la obra de Rogelio Polesello 'Carved acrylic panels'. foto AFP
La primera feria de arte contemporáneo de América Latina abrió sus puertas el viernes en Nueva York para ofrecer al mercado internacional lo mejor de la producción artística de nuestra región.
Mauro Herlitzka; el director del Museo de Arte de Lima, Juan Carlos Verme; Clarice y Eduardo Costantini; una coleccionista y Diego Costa Peuser, en el Metropolitan Pavilion de Chelsea. foto La Nación.
Cerca de 500 obras en total se exponen y están a la venta, por precios que oscilan entre los 5.000 dólares (3.400 euros), para algunos artistas jóvenes, hasta medio millón (340.000 euros), para obras importantes de los más consagrados.
"Nunca hubo en esta ciudad una concentración de tan alta calidad de arte latinoamericano", explicó Alejandro Zaia, director de la feria 'Pinta', que permanecerá abierta cinco días en el barrio Chelsea de Manhattan. Está integrada por 35 galerías de alto nivel especializadas en arte latinoamericano, 15 de ellas norteamericanas -de Miami, Nueva York o Chicago- y el resto de América Latina, sobre todo de Argentina, Brasil y México.
foto Terra
Concebida con cierta modestia de escala, Pinta reúne sólo 34 galerías, de las más importantes de los Estados Unidos, Europa, América del Sur y Europa que se dedican a este sector del mercado. Entre ellas Cecilia de Torres, León Tovar y Hostfelt, de Nueva York; Moka, de Chicago; Alejandra Von Hartz, Praxis y Panamerican Project, de Miami. Fernando Pradilla y Aina Novak, de Madrid; Durban Segnini, de Caracas; Raquel Arnaud y Nara Roesler, de San Pablo; EDS y Ginocchio, de México, y un pelotón de argentinas que integran Benzacar, Vasari, GC Estudio (Gianni Campochiaro y Luisa Pedrouzo), Rubbers, Van Eyck, Apetite, Daniel Abate y Wussman. Cualquiera en el medio sabe que puede acudir a ellas con confianza si busca una buena pieza de Jesús Soto, Xul Solar, Carlos Cruz Diez, Helio Oiticica, Juan Mele, Joaquín Torres García, Gego, Rogelio Polesello, Le Parc o León Ferrari, por nombrar algunos de los artistas más destacados que están en esta feria.
La feria es la faceta comercial de un fenómeno que junto a las grandes subastas y a exposiciones de primer nivel cristaliza en Nueva York un renovado interés por el arte de América Latina y trata de romper estereotipos. "La calidad de cada uno de los cuadros es excelente, los galeristas se han esmerado en traer lo mejor", comentó Patricia Phelps de Cisneros, dueña de una de las principales colecciones de arte de la región. Según la esposa del magnate venezolano de los medios Gustavo Cisneros, "los organizadores han sido muy exigentes en la selección, los montajes y la iluminación. Esto es excelencia, excelencia, excelencia".
Lilina Porter, Marta Minujín y Orly Benzacar en el Metropolitan Pavillon. foto Clarín.
La artista argentina Marta Minujín opinó, por su parte, que "para el arte latinoamericano es importante porque es entrar en el mercado norteamericano y lograr que la palabra 'latino' desaparezca, porque el arte es universal". La reina argentina del arte pop dijo que la creación de su país "aporta vida y cambio. El arte está en la calle, en toda la ciudad, fuera de los museos, el arte está por todos lados". Zaia explicó que "estamos en una sintonía de que hay un arte latinoamericano que normalmente no se conocía que es el abstracto, conceptual, geométrico, que es diferente al estereotipo folclórico".
El marchante argentino, que dirige la feria junto a Diego Costa Peuser y Mauro Herlitzka, dijo que ese sector del arte latinoamericano "tiene una calidad a nivel mundial y desde el punto de vista del mercado está muy barato".
Por su parte, Brian Sepe comparó el fenómeno del arte latinoamericano al entusiasmo que están suscitando los artistas chinos en el mercado mundial. En el caso de América Latina, dijo el experto de Merrill Lynch, "cada país tiene su personalidad propia y cuando todos se juntan, se produce un poderoso mensaje artístico".
Del 16 al 20 de noviembre en el Metropolitan Pavillion de New York. en la calle 18, entre 6ta y 7ma av.
RELACIONADOS
* Nueva York se apresta a ser la sede del arte latinoamericano
* Abre en Nueva York la primera feria de arte de América Latina
* El arte latinoamericano impacta a los coleccionistas de Nueva York
Clarín.com - 16 Nov 2007
* Pinta le pone color al arte en Nueva York
Lanacion.com (Argentina) - 16 Nov 2007
* Compradores buscan arte latinoamericano para incorporar a sus colecciones
* Con PINTA, Nueva York alberga la primera feria de arte latinoamericano
* Feria generará importantes aportes
* Feria de Arte Contemporáneo Latinoamericano de Nueva York
"Maldoror", de César Paternosto, reflejado a través de la obra de Rogelio Polesello 'Carved acrylic panels'. foto AFP
La primera feria de arte contemporáneo de América Latina abrió sus puertas el viernes en Nueva York para ofrecer al mercado internacional lo mejor de la producción artística de nuestra región.
Mauro Herlitzka; el director del Museo de Arte de Lima, Juan Carlos Verme; Clarice y Eduardo Costantini; una coleccionista y Diego Costa Peuser, en el Metropolitan Pavilion de Chelsea. foto La Nación.Cerca de 500 obras en total se exponen y están a la venta, por precios que oscilan entre los 5.000 dólares (3.400 euros), para algunos artistas jóvenes, hasta medio millón (340.000 euros), para obras importantes de los más consagrados.
"Nunca hubo en esta ciudad una concentración de tan alta calidad de arte latinoamericano", explicó Alejandro Zaia, director de la feria 'Pinta', que permanecerá abierta cinco días en el barrio Chelsea de Manhattan. Está integrada por 35 galerías de alto nivel especializadas en arte latinoamericano, 15 de ellas norteamericanas -de Miami, Nueva York o Chicago- y el resto de América Latina, sobre todo de Argentina, Brasil y México.
foto Terra
Concebida con cierta modestia de escala, Pinta reúne sólo 34 galerías, de las más importantes de los Estados Unidos, Europa, América del Sur y Europa que se dedican a este sector del mercado. Entre ellas Cecilia de Torres, León Tovar y Hostfelt, de Nueva York; Moka, de Chicago; Alejandra Von Hartz, Praxis y Panamerican Project, de Miami. Fernando Pradilla y Aina Novak, de Madrid; Durban Segnini, de Caracas; Raquel Arnaud y Nara Roesler, de San Pablo; EDS y Ginocchio, de México, y un pelotón de argentinas que integran Benzacar, Vasari, GC Estudio (Gianni Campochiaro y Luisa Pedrouzo), Rubbers, Van Eyck, Apetite, Daniel Abate y Wussman. Cualquiera en el medio sabe que puede acudir a ellas con confianza si busca una buena pieza de Jesús Soto, Xul Solar, Carlos Cruz Diez, Helio Oiticica, Juan Mele, Joaquín Torres García, Gego, Rogelio Polesello, Le Parc o León Ferrari, por nombrar algunos de los artistas más destacados que están en esta feria.
La feria es la faceta comercial de un fenómeno que junto a las grandes subastas y a exposiciones de primer nivel cristaliza en Nueva York un renovado interés por el arte de América Latina y trata de romper estereotipos. "La calidad de cada uno de los cuadros es excelente, los galeristas se han esmerado en traer lo mejor", comentó Patricia Phelps de Cisneros, dueña de una de las principales colecciones de arte de la región. Según la esposa del magnate venezolano de los medios Gustavo Cisneros, "los organizadores han sido muy exigentes en la selección, los montajes y la iluminación. Esto es excelencia, excelencia, excelencia".
Lilina Porter, Marta Minujín y Orly Benzacar en el Metropolitan Pavillon. foto Clarín.
La artista argentina Marta Minujín opinó, por su parte, que "para el arte latinoamericano es importante porque es entrar en el mercado norteamericano y lograr que la palabra 'latino' desaparezca, porque el arte es universal". La reina argentina del arte pop dijo que la creación de su país "aporta vida y cambio. El arte está en la calle, en toda la ciudad, fuera de los museos, el arte está por todos lados". Zaia explicó que "estamos en una sintonía de que hay un arte latinoamericano que normalmente no se conocía que es el abstracto, conceptual, geométrico, que es diferente al estereotipo folclórico".
El marchante argentino, que dirige la feria junto a Diego Costa Peuser y Mauro Herlitzka, dijo que ese sector del arte latinoamericano "tiene una calidad a nivel mundial y desde el punto de vista del mercado está muy barato".
Por su parte, Brian Sepe comparó el fenómeno del arte latinoamericano al entusiasmo que están suscitando los artistas chinos en el mercado mundial. En el caso de América Latina, dijo el experto de Merrill Lynch, "cada país tiene su personalidad propia y cuando todos se juntan, se produce un poderoso mensaje artístico".
Del 16 al 20 de noviembre en el Metropolitan Pavillion de New York. en la calle 18, entre 6ta y 7ma av.
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martes, octubre 23, 2007
ART + TECHNO + PHILO
Conferencia
OP_ERA / Cantoni / Kutschat.
-Instalación de Rejane Cantón (Brasil) y Daniela Kustschat (Brasil). Es una especie de arpa formada con rayos de luz que se proyectan en las pantallas; el espectador acerca la mano a la superficie de la pantalla para producir el efecto de las cuerdas de una arpa. En el Paseo de San Francisco, Plataforma Puebla 2006.-
Daniela Kutschat - Rejane Cantoni
Viernes 26 de octubre – 18.00 hs
por Iliana Hernández García
en Espacio Fundación Telefónica:
Arenales 1540. Ciudad de Buenos Aires..
Iliana Hernández García es Ph.D. en Arte y Ciencias del Arte con énfasis en Estética por la Universidad de la Sorbona Paris-I. Magíster en Arte y Ciencias del Arte, Opción Video e imagen por computador, en Teorías y estéticas de la Arquitectura y en Proyectos de Arquitectura por la Universidad de la Sorbona y la Escuela de Arquitectura de Paris. Arquitecta por la Universidad de los Andes de Bogotá. Se desempeña como teórica e investigadora en estética y filosofía del arte, estudia la relación arte-ciencia-tecnología y filosofía estética en las creaciones electrónicas y numéricas.
Actualmente dirige el Departamento de Estética de la Pontificia Universidad Javeriana en Bogotá y es directora del grupo de investigación en “Estética de las nuevas tecnologías”, escalafonado en categoría A por COLCIENCIAS.
Ver video OP_ERA
by me
martes, octubre 02, 2007
Editorial iRojo / CONVOCATORIA ANUAL 2007/ 5ta EDICION
Quinta Edición/ Convocatoria 2007
En el marco del 5to Aniversario de la editorial, se abre la recepción de trabajos para su edición
BASES Y CONDICIONES
· Las categorías en que se podrá presentar material son:
· Narrativa (Cuentos/ Nouvelle/ Novela)
· Poesía
· Psicoanálisis/ Lingüística
· Un mismo autor puede participar en más de una categoría. Podrán participar autores que lo hayan hecho en convocatorias anteriores pero no aquellos que las hayan ganado.
· El trabajo deberá encontrarse inédito aunque el autor puede tener obras editadas anteriormente.
· Se entregarán tres copias por cada una de las categorías, en sobre cerrado datos personales (nombre, apellido, teléfono y dirección de e- mail). No es necesario utilizar seudónimo. No se aceptarán trabajos en diskette ni vía e - mail.
· La extensión de los trabajos requerida en narrativa, lingüística y psicoanálisis será de 50.000 palabras de extensión máxima y 10.000 palabras de extensión mínima. En poesía, se requiere un mínimo de 20 poemas.
· La recepción de los trabajos se extenderá desde el lunes 10 de setiembre hasta el viernes 30 de noviembre de 2007.
· El material debe remitirse personalmente o por correo a iROJO Editores: F. D. Roosevelt 1877 Torre Horizonte 1 4to piso Of. “4” Capital. CP (1428) de lunes a viernes de 9 a 13.00 hs.
· El autor abonará la suma de $10,00 por trabajo presentado, en concepto de inscripción a dicha convocatoria. Dicho importe podrá enviarse en el sobre junto con el material o mediante giro postal (Western Union, en el caso de autores residentes en el extranjero).
· Finalizada la convocatoria, todo autor tendrá una entrevista con los editores donde se le realizará la devolución de la obra y se le adjuntará un informe con la evaluación de la misma (breve análisis literario del material, potencialidad de inserción comercial del mismo, plan de marketing, etc.).
· Los títulos seleccionados se darán a conocer vía mail y página web de la editorial el viernes 7 de diciembre de 2007.
· Los autores seleccionados serán editados por iROJO Editores sin costo alguno para los mismos, previa firma de contrato editorial.
· Una vez editadas, las obras se presentarán en el Centro Cultural Gral. San Martín o Biblioteca Nacional y contarán con todo el apoyo publicitario y de difusión a cargo de la editorial.
· Los libros editados estarán distribuidos y disponibles en librerías de cadena y especializadas en literatura.
JURADO DE LA CONVOCATORIA
Lic. Nancy Garín (Lic. en Estética e Historia del Arte- Universidad Católica de Chile- / Periodista – Universidad Andrés Bello de Santiago de Chile).
Lic. Elizabeth Lerner (Lic. en Letras – UBA-). Docente universitaria y escritora.
Lic. Andrea Fernández Schlam (Lic. en Letras – UBA-). Directora de iROJO Editores. Responsable de Proyectos de crítica y análisis literario. Dirige la revista literaria iROJO- Lecturas múltiples para textos posibles.
Sr. Alfredo Malnatti. Empresario editorial. Director Administrativo de iROJO Editores y Director de Léctica Ediciones.
Dr. George Lockart (Medicina- Univ. Maimónides). Se ha especializado en el área de Psiquiatría y Psicoanálisis.
Más información en iROJO Editores F. D. Roosevelt 1877 Piso 4 Of. 4 – 10 a 15.30/ Tel : 54011 4780 2514 / info@irojo.com.ar/
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En el marco del 5to Aniversario de la editorial, se abre la recepción de trabajos para su edición
BASES Y CONDICIONES
· Las categorías en que se podrá presentar material son:
· Narrativa (Cuentos/ Nouvelle/ Novela)
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· Un mismo autor puede participar en más de una categoría. Podrán participar autores que lo hayan hecho en convocatorias anteriores pero no aquellos que las hayan ganado.
· El trabajo deberá encontrarse inédito aunque el autor puede tener obras editadas anteriormente.
· Se entregarán tres copias por cada una de las categorías, en sobre cerrado datos personales (nombre, apellido, teléfono y dirección de e- mail). No es necesario utilizar seudónimo. No se aceptarán trabajos en diskette ni vía e - mail.
· La extensión de los trabajos requerida en narrativa, lingüística y psicoanálisis será de 50.000 palabras de extensión máxima y 10.000 palabras de extensión mínima. En poesía, se requiere un mínimo de 20 poemas.
· La recepción de los trabajos se extenderá desde el lunes 10 de setiembre hasta el viernes 30 de noviembre de 2007.
· El material debe remitirse personalmente o por correo a iROJO Editores: F. D. Roosevelt 1877 Torre Horizonte 1 4to piso Of. “4” Capital. CP (1428) de lunes a viernes de 9 a 13.00 hs.
· El autor abonará la suma de $10,00 por trabajo presentado, en concepto de inscripción a dicha convocatoria. Dicho importe podrá enviarse en el sobre junto con el material o mediante giro postal (Western Union, en el caso de autores residentes en el extranjero).
· Finalizada la convocatoria, todo autor tendrá una entrevista con los editores donde se le realizará la devolución de la obra y se le adjuntará un informe con la evaluación de la misma (breve análisis literario del material, potencialidad de inserción comercial del mismo, plan de marketing, etc.).
· Los títulos seleccionados se darán a conocer vía mail y página web de la editorial el viernes 7 de diciembre de 2007.
· Los autores seleccionados serán editados por iROJO Editores sin costo alguno para los mismos, previa firma de contrato editorial.
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· Los libros editados estarán distribuidos y disponibles en librerías de cadena y especializadas en literatura.
JURADO DE LA CONVOCATORIA
Lic. Nancy Garín (Lic. en Estética e Historia del Arte- Universidad Católica de Chile- / Periodista – Universidad Andrés Bello de Santiago de Chile).
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Lic. Andrea Fernández Schlam (Lic. en Letras – UBA-). Directora de iROJO Editores. Responsable de Proyectos de crítica y análisis literario. Dirige la revista literaria iROJO- Lecturas múltiples para textos posibles.
Sr. Alfredo Malnatti. Empresario editorial. Director Administrativo de iROJO Editores y Director de Léctica Ediciones.
Dr. George Lockart (Medicina- Univ. Maimónides). Se ha especializado en el área de Psiquiatría y Psicoanálisis.
Más información en iROJO Editores F. D. Roosevelt 1877 Piso 4 Of. 4 – 10 a 15.30/ Tel : 54011 4780 2514 / info@irojo.com.ar/
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lunes, septiembre 24, 2007
La Documenta 12 de Kassel cerró rompiendo récords
Roger Buergel y Ruth Noak
La Documenta número 12 de Kassel cerró con nuevo récord histórico de visitantes.
*La Documenta, la exposición de arte moderno más importante del mundo que se celebra en la ciudad alemana de Kassel, cerró hoy, lunes 24 de septiembre, sus puertas después de 100 días, con un registro de 754.000 visitantes. Superó en 100.000 a la Documenta 11, realizada hace 5 años. A esa cantidad de visitantes se suman 4.400 corredores de arte de todo el mundo y 15.500 periodistas acreditados.(a la Primer Documenta en 1955 concurrieron 130.000 visitantes)
*La tercera parte de los visitantes de la documenta 12 provino del exterior, en primer lugar de Holanda, seguido de Estados Unidos, Francia, Bélgica y Austria.
*Este año se registró un marcado incremento de visitantes de Europa Oriental, encabezados por los polacos. También aumentaron los visitantes de Australia, Estados Unidos y China en 6to. lugar.
*530 obras de 114 artistas. La más grande era un campo de arroz del tamaño de una cancha de fútbol, del tailandés Sakarin Krue-On.
*Casi la mitad de los artistas eran mujeres y más de la mitad de Asia, África, Sudamérica y Europa Oriental. Otros 55 artistas eran europeos occidentales, norteamericanos y 1 de Australia.
Estados Unidos: 16, Alemania: 15, fueron los países que más artistas aportaron. Les siguió España: 5.
*Los más destacados fueron:
Iole de Freitas, de Brasil,
Ai Weiwei, de China,
Sakarin Krue-On, de Tailandia,
y Romuald Hazoumé, de Benin
En otro post publicaré lo de Argentina, con León Ferrari, y Tucumán Arde...
instalaciones llevadas por personal de limpieza... derrumbes de obras que hicieron duplicar su precio... curiosidades de la Documenta y fotos... en próximos post!
La próxima Documenta se realizará entre el 9 de junio y el 16 de septiembre de 2012. Habrá que ir ahorrando.
By Angie Roytgolz - mailto:arte.ilhn@gmail.com
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viernes, septiembre 14, 2007
Oh Basquiat!
estarías celebrando tu cumpleaños 47
(Basquiat en Mudd Club)
No pienso en el arte cuando estoy trabajando. Intento pensar en la vida…
(Jean-Michel Basquiat_Left Eyes_New York_USA)
Basquiat rare interviewed -Samo as an alternative to god-
Nada predispuesto a aparecer en los catálogos de los museos ni en las colecciones privadas.
Llevado en 1960 a Brooklyn (Nueva York)
Basquiat perteneció a las “minorías raciales”:
de padre haitiano, y de madre portorriqueña.
(Jean-Michel Basquiat, Portrait_New York_USA)
Después del divorcio de sus padres, tuvo problemas en su difícil educación escolar interrumpida por sus muchas escapadas.
entónces estaba muy lejos del mundo del arte.
Rebelde temprano, no perdía ninguna ocasión para dibujar y obtenía la atención benévola de sus padres y sus profesores de muchas de las escuelas privadas adonde fue.
(Jean-Michel Basquiat_Andy Warhol_1984_New York_USA)
Dotado para el dibujo y animado por su madre con quien iba regularmente al MoMA y al Met (Museo Metropolitano) de Nueva York, recibió de su madre el famoso libro de anatomía humana escrito por Gray. Este será un regalo determinante, que lo acompañará en muchos trabajos que le dedique a la anatomía del cuerpo humano:
“Diría que mi madre me dio todas las cosas primarias. El arte me viene de ella." dijo.
(Jean-Michel Basquiat_Lee Jaffe_New York_USA)Siendo un joven, hará varias escapadas durante las cuales tendrá sus primeros acercamientos a la droga. También coinciden con una determinación salvaje de convertirse en famoso, y con solo dieciocho años se va definitivamente de su casa familiar.
Jean-Michel Basquiat -Pics and vides-
El movimiento graffiti en las calles y en los vagones del subterráneo estaban organizados de una manera jerárquica, los autores de las etiquetas (firma) debían lograr sobrellevar toda clase de pruebas antes de poder colocar, con todal ilegalidad, el nombre "firma" que eligieron para los vagones de los subtes. Jean Michel Basquiat identifica su patrimonio con la firma “SAMO” etiqueta superada por una corona y una muestra del copyright que él comienza a raspar en las paredes y los edificios del bajo Manhattan. Nunca marcó los vagones del subte con su firma. La “Village voice” lo nota. Para vivir, dibuja y vende las postales e ilustra remeras.
(Jean-Michel Basquiat_Jimmy Best, 1981_New York_USA)
En el '80 hace uno de los taggers principales raspando las paredes de los edificios;
dos de ellos se convierte en exponentes memorables: Keith Haring, que dio ritmo a sus etiquetas dibujadas en superficies, y Jean-Michel Basquiat, que eligió las etiquetas percuting violentas de la American National Standard que estropeaban el aspecto del material marcado.
(Jean-Michel Basquiat and Andy Warhol_Richard Schulman, 1984_New York_USA)
Ambos están cerca de Warhol. Han encontrado su inspiración en esta auténtica cultura popular: la vida de las calles y del subterráneo de Nueva York. Esta práctica popular es muy activa en la Nueva York de los 1970s.
(Jean-Michel Basquiat_Warrior, 1981_New York_USA)
El graffiti de Jean Michel Basquiat expresa la búsqueda de su identidad y una rebelión a la pobreza de las comunidades multi-etnicas que viven en los ghettos de las ciudades en donde existen una exagerada mediatización y una sociedad de consumo exacerbado.
(Jean-Michel Basquiat_Anthony Clarke, 1985_New York_USA)
La cuestión del racismo lo ocupa desde temprana edad. La mayoría de sus trabajos evocan la dificultad de ser negro. Su certeza que encuentra dificultad en lograr su lugar en un mundo de la gente blanca. esta reflexión en la raza negra la lleva dentro de sus pinturas, cantada tan bien por Aimé Césaire en sus discursos y la poesía "négritude".
(Jean-Michel Basquiat, Zydeco, 1984_New York_USA)
La actividad no permitida de los taggers y las grandes performances hacen irrupción en el mundo artístico. La exposición de Nueva York, "New Wave", organizada en 1981 por Diego Cortez en el espacio “alternativo” de PS1 (Nueva York), es la primera exposición pública.
LLevado a la tela, el graffiti está listo para la venta. Algunos de sus autores son los “artistas”, en los cuales las galerías están interesadas en exhibir sus producciones en lugar de las producciones austeras de las pinturas de los 70s.
A Basquiat se lo reconoce como un gran artista; vuela de un éxito otro. Comienza con una exposición en la galería de Emilio Mazzoli en Módena (Italia) luego en la galería Anina Nosei en Nueva York (la misma donde expuso Kuitca en 1991), seguida por muchas otras.
(Jean-Michel Basquiat_Untitle, 1982_New York_USA)
Tiene solo veintidós años cuando participa en Documenta 7 de Kassel, donde están Gerhard Richter y Sigmar Polke. Jean Michel Basquiat es el artista más joven de esta gran exposición.
(Jean-Michel Basquiat_Fallen Angel, 1981_New York_USA)
Bien lejos del graffiti, sus trabajos se afianzan como pinturas y se asocian a los del arte italiano de trans-vanguardia (colaborará después con el pintor Francesco Clemente, y Andy Warhol).
En la tela se ven aplicadas agunas fotocopias color, en algunos lugares, pero también en soportes menos tradicionales están las barreras en las cuales están dibujadas grotescas y oscuras figuras, palabras o fórmulas, signos más o menos descifrables, intersectados con colores ásperos.
Escribe citas extraídas de medios, y también aparecen los fragmentos autobiográficos (la corona de Samo) y elementos prestados del culto del voodoo (aserción de su “négritude”).
(Jean-Michel Basquiat_Piano lesson for Chiara, 1983_New York_USA)
La pintura de Basquiat se refiere tanto al arte primitivo, como al arte áspero o Cobra, que con la gran tradición americana, de Rauschenberg con Cy Twombly. Y Keith Haring, técnico-plástico amigo de Basquiat, había sido capaz de afirmar, en 1983: “Hizo la segunda revolución del arte de Nueva York después de la aserción de las mujeres en la pintura. ” Fijando “un bestiario de palabras” según el crítico David Shapiro que compara el arte de Basquiat con “el gesto de la canción medieval, él es
En 1981, se introduce a Andy Warhol. Es el principio de una gran amistad entre estos dos hombres, ambos seducidos simultáneamente.
Basquiat pasa las noches filosofando con su ídolo. La libre exposición Figuration France/USA organizada en 1984 por el museo del arte moderno de la ciudad de París dedica oficialmente Figuración Libre a esta movida “compuesta de los pintores: Remi Blanchard, François Boisrond, Roberto Combas, Herve Di Rosa, enfrentándolo con la generación de los graffitists de Nueva York (Jean-Michel Basquiat, Crash landing, Keith Haring, Kenny Scharf). Uno puede medir en esta ocasión qué se asocian, pero también se diferencian a los pintores americanos y los franceses.
(Jean-Michel Basquiat_Isthar, 1983_New York_USA)
(Jean-Michel Basquiat_Polo Frito, 1982_New York_USA)
El movimiento Graffiti de Nueva York perderá a sus dos líderes en menos de dos años: Jean Michel Basquiat en 1988 (12 de agosto varios días antes del cuál habría sido su segundo viaje a Costa de Marfil) después de una sobredosis, y Keith Haring, muerto de SIDA, el 16 de febrero de 1990.
(Keith Haring y Basquiat, juntos)
Nunca un artista había tenido un éxito tan rápido; Con veinticinco años, había pintado por solamente cinco años, siendo tapa de las principales revistas de NY, y dos museos europeos dedican una exposición retrospectiva de él¡fantástico!
Basquiat painting live 1981
Slide Show- Jean Michel Basquiat
Jean Michel Basquiat pertenece al Pantheon de los negros famosos. lo es junto a sus dos ídolos, el boxeador Ray Sugar Robinson y el saxofonista Charlie Parker a quien llamaba “Rey Charles”. Jean Michel Basquiat sigue siendo no una leyenda, sino por lo menos una figura emblematica de los años los 80s.
Este año habría celebrado su cumpleaños 47.
The Jean-Michel Basquiat Show [Milano, Triennale, Palazzo dell'Arte]
posted by Angie Röytgolz
inspirado en una nota publicada por Egodesign
(Basquiat en Mudd Club)
No pienso en el arte cuando estoy trabajando. Intento pensar en la vida…
(Jean-Michel Basquiat_Left Eyes_New York_USA)
Jean-Michel BasquiatSAMO - la estrella fugaz.
Basquiat rare interviewed -Samo as an alternative to god-
Nada predispuesto a aparecer en los catálogos de los museos ni en las colecciones privadas. Llevado en 1960 a Brooklyn (Nueva York)
Basquiat perteneció a las “minorías raciales”:
de padre haitiano, y de madre portorriqueña.
(Jean-Michel Basquiat, Portrait_New York_USA) Después del divorcio de sus padres, tuvo problemas en su difícil educación escolar interrumpida por sus muchas escapadas.
entónces estaba muy lejos del mundo del arte.
Rebelde temprano, no perdía ninguna ocasión para dibujar y obtenía la atención benévola de sus padres y sus profesores de muchas de las escuelas privadas adonde fue.
(Jean-Michel Basquiat_Andy Warhol_1984_New York_USA)
Dotado para el dibujo y animado por su madre con quien iba regularmente al MoMA y al Met (Museo Metropolitano) de Nueva York, recibió de su madre el famoso libro de anatomía humana escrito por Gray. Este será un regalo determinante, que lo acompañará en muchos trabajos que le dedique a la anatomía del cuerpo humano:
“Diría que mi madre me dio todas las cosas primarias. El arte me viene de ella." dijo.
(Jean-Michel Basquiat_Lee Jaffe_New York_USA)Siendo un joven, hará varias escapadas durante las cuales tendrá sus primeros acercamientos a la droga. También coinciden con una determinación salvaje de convertirse en famoso, y con solo dieciocho años se va definitivamente de su casa familiar.Jean-Michel Basquiat -Pics and vides-
El movimiento graffiti en las calles y en los vagones del subterráneo estaban organizados de una manera jerárquica, los autores de las etiquetas (firma) debían lograr sobrellevar toda clase de pruebas antes de poder colocar, con todal ilegalidad, el nombre "firma" que eligieron para los vagones de los subtes. Jean Michel Basquiat identifica su patrimonio con la firma “SAMO” etiqueta superada por una corona y una muestra del copyright que él comienza a raspar en las paredes y los edificios del bajo Manhattan. Nunca marcó los vagones del subte con su firma. La “Village voice” lo nota. Para vivir, dibuja y vende las postales e ilustra remeras.
(Jean-Michel Basquiat_Jimmy Best, 1981_New York_USA)
En el '80 hace uno de los taggers principales raspando las paredes de los edificios;
dos de ellos se convierte en exponentes memorables: Keith Haring, que dio ritmo a sus etiquetas dibujadas en superficies, y Jean-Michel Basquiat, que eligió las etiquetas percuting violentas de la American National Standard que estropeaban el aspecto del material marcado.
(Jean-Michel Basquiat and Andy Warhol_Richard Schulman, 1984_New York_USA)
Ambos están cerca de Warhol. Han encontrado su inspiración en esta auténtica cultura popular: la vida de las calles y del subterráneo de Nueva York. Esta práctica popular es muy activa en la Nueva York de los 1970s.
(Jean-Michel Basquiat_Warrior, 1981_New York_USA)
El graffiti de Jean Michel Basquiat expresa la búsqueda de su identidad y una rebelión a la pobreza de las comunidades multi-etnicas que viven en los ghettos de las ciudades en donde existen una exagerada mediatización y una sociedad de consumo exacerbado.
Cada línea significa algo,nos dice Basquiat.
(Jean-Michel Basquiat_Anthony Clarke, 1985_New York_USA)
La cuestión del racismo lo ocupa desde temprana edad. La mayoría de sus trabajos evocan la dificultad de ser negro. Su certeza que encuentra dificultad en lograr su lugar en un mundo de la gente blanca. esta reflexión en la raza negra la lleva dentro de sus pinturas, cantada tan bien por Aimé Césaire en sus discursos y la poesía "négritude".
“My négritude is not a water slip died on the dead eye of the ground , my négritude is neither a tower nor a cathedral it plunges in the red flesh of the ground, it plunges in the burning flesh of the sky , it perforates the opaque overwhelming pressure of its line patience.”
(Jean-Michel Basquiat, Zydeco, 1984_New York_USA)
La actividad no permitida de los taggers y las grandes performances hacen irrupción en el mundo artístico. La exposición de Nueva York, "New Wave", organizada en 1981 por Diego Cortez en el espacio “alternativo” de PS1 (Nueva York), es la primera exposición pública.
LLevado a la tela, el graffiti está listo para la venta. Algunos de sus autores son los “artistas”, en los cuales las galerías están interesadas en exhibir sus producciones en lugar de las producciones austeras de las pinturas de los 70s.
A Basquiat se lo reconoce como un gran artista; vuela de un éxito otro. Comienza con una exposición en la galería de Emilio Mazzoli en Módena (Italia) luego en la galería Anina Nosei en Nueva York (la misma donde expuso Kuitca en 1991), seguida por muchas otras.
(Jean-Michel Basquiat_Untitle, 1982_New York_USA)
Tiene solo veintidós años cuando participa en Documenta 7 de Kassel, donde están Gerhard Richter y Sigmar Polke. Jean Michel Basquiat es el artista más joven de esta gran exposición.
(Jean-Michel Basquiat_Fallen Angel, 1981_New York_USA)
Bien lejos del graffiti, sus trabajos se afianzan como pinturas y se asocian a los del arte italiano de trans-vanguardia (colaborará después con el pintor Francesco Clemente, y Andy Warhol).
En la tela se ven aplicadas agunas fotocopias color, en algunos lugares, pero también en soportes menos tradicionales están las barreras en las cuales están dibujadas grotescas y oscuras figuras, palabras o fórmulas, signos más o menos descifrables, intersectados con colores ásperos.
Escribe citas extraídas de medios, y también aparecen los fragmentos autobiográficos (la corona de Samo) y elementos prestados del culto del voodoo (aserción de su “négritude”).
(Jean-Michel Basquiat_Piano lesson for Chiara, 1983_New York_USA)
La pintura de Basquiat se refiere tanto al arte primitivo, como al arte áspero o Cobra, que con la gran tradición americana, de Rauschenberg con Cy Twombly. Y Keith Haring, técnico-plástico amigo de Basquiat, había sido capaz de afirmar, en 1983: “Hizo la segunda revolución del arte de Nueva York después de la aserción de las mujeres en la pintura. ” Fijando “un bestiario de palabras” según el crítico David Shapiro que compara el arte de Basquiat con “el gesto de la canción medieval, él es
“un poeta de la calle que penetra en el living de la alta sociedad”.
En 1981, se introduce a Andy Warhol. Es el principio de una gran amistad entre estos dos hombres, ambos seducidos simultáneamente.
Basquiat pasa las noches filosofando con su ídolo. La libre exposición Figuration France/USA organizada en 1984 por el museo del arte moderno de la ciudad de París dedica oficialmente Figuración Libre a esta movida “compuesta de los pintores: Remi Blanchard, François Boisrond, Roberto Combas, Herve Di Rosa, enfrentándolo con la generación de los graffitists de Nueva York (Jean-Michel Basquiat, Crash landing, Keith Haring, Kenny Scharf). Uno puede medir en esta ocasión qué se asocian, pero también se diferencian a los pintores americanos y los franceses.
(Jean-Michel Basquiat_Isthar, 1983_New York_USA)
(Jean-Michel Basquiat_Polo Frito, 1982_New York_USA)
El movimiento Graffiti de Nueva York perderá a sus dos líderes en menos de dos años: Jean Michel Basquiat en 1988 (12 de agosto varios días antes del cuál habría sido su segundo viaje a Costa de Marfil) después de una sobredosis, y Keith Haring, muerto de SIDA, el 16 de febrero de 1990.
(Keith Haring y Basquiat, juntos)
Nunca un artista había tenido un éxito tan rápido; Con veinticinco años, había pintado por solamente cinco años, siendo tapa de las principales revistas de NY, y dos museos europeos dedican una exposición retrospectiva de él¡fantástico!
Basquiat painting live 1981
Slide Show- Jean Michel Basquiat
Jean Michel Basquiat pertenece al Pantheon de los negros famosos. lo es junto a sus dos ídolos, el boxeador Ray Sugar Robinson y el saxofonista Charlie Parker a quien llamaba “Rey Charles”. Jean Michel Basquiat sigue siendo no una leyenda, sino por lo menos una figura emblematica de los años los 80s.
Este año habría celebrado su cumpleaños 47.
The Jean-Michel Basquiat Show [Milano, Triennale, Palazzo dell'Arte]
posted by Angie Röytgolz
inspirado en una nota publicada por Egodesign
lunes, septiembre 03, 2007
Andy Warhol for kids?
"La única manera de comunicar directamente una idea es mediante un ícono; y todo método para comunicar una idea debe depender para su concreción de la utilización de un ícono". (C. S. Peirce, 2-278 Ecrits sur le signe, pág.149).
Parece que Warhol tenía bastante claro este tema.
Andy Warhol: A Celebration of Life ... and Death.
Andy Warhol (1928-1987) es uno de los artistas seminales del vigésimo siglo. Los temas gemelos de la vida y de la muerte son centrales a una comprensión de su trabajo. En su arte él celebró la riqueza de la vida moderna, de productos de consumo diarios a las imágenes icónicas de celebridades y de estrellas de cine. La muerte en todos sus modos lo fascinó igualmente: la muerte del alto perfil de Marilyn Monroe; el asesinato político del presidente Kennedy y su efecto en la viuda; la muerte espantosa de los desplomes y de los suicidios del coche; y muerte como símbolo universal en sus pinturas de cráneos.
La exposición cuenta con un catálogo que marca el aniversario de ochenta años del nacimiento de Andy Warhol y el vigésimo aniversario de su muerte, cubre el espectro entero de su trabajo e incluye los dibujos tempranos producidos cuando él era artista gráfico; sus retratos de las celebridades de los años 60s hacia adelante; sus películas e instalaciones; y su trabajo más icónicos tal como latas de la sopa de Campbell, cajas de Brillo y sus screenprints de Marilyn Monroe, Liz Taylor, y Elvis Presley. por Keith Hartley con traducción casera de Angie Röytgolz
Habrá que trasladarse a Edimburgo, hasta el 7 de octubre en la National Galleries of Scotland, y pagar un ticket de £8.
* Exponen cuadros de Andy Warhol para niños: La Nación
* Retrato no visto de Andy Warhol como artista de los niños: Nota en inglés de The Independent
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